La noche arranca a las 9:00. El C4, con espacio para cerca de 1,800 personas, se presta justo para eso: conciertos donde todo pasa cerca, donde no hay mucha distancia entre el escenario y lo que está viviendo el público. Los boletos van desde los $600 pesos, lo suficiente para que el lugar se llene de quienes realmente quieren estar ahí.

Con más de dos décadas de trayectoria desde su formación en 2002, la banda se mantiene como un referente del punk rock mexicano, no desde la nostalgia sino desde la permanencia. En vivo, eso se traduce en guitarras que retumban como truenos, letras que se gritan con el alma y un público que vibra con la energía del momento.

Guadalajara, además, no es un lugar cualquiera. Históricamente ha sido una ciudad clave para el rock nacional, y cada visita de Allison se convierte en un punto de encuentro entre generaciones que llegan con historias personales ligadas a las canciones. En un venue como C4, esa energía se concentra: alrededor de mil ochocientas personas compartiendo el mismo impulso, el mismo coro, el mismo sentimiento.+

El set promete clásicos que marcaron historia, momentos inolvidables de principio a fin y una conexión directa entre la banda y el público. 

Allison llega con el show armado, pero lo que realmente pasa se construye entre todos los que están ahí, gritando lo que normalmente se queda guardado.

Boletos disponibles en Ticketnow

Con una coherencia artística muy clara, los Hermanos Gutiérrez hicieron de la noche del pasado 18 de marzo de 2026 en Guadalajara, con cita en el C4 Concert House, un concierto de esos que te expanden los sentidos y te explotan la cabeza. Apostaron por la pureza de su sonido, la sincronía y la perfecta ejecución de sus guitarras, que dibujaron un horizonte amplio, casi cinematográfico.

Sin recurrir a grandes efectos o discursos, el dúo logró una conexión íntima con el público dentro de un recinto que favoreció esa cercanía casi ritual. El C4, con su formato más contenido, permitió que cada matiz se sintiera cercano, como si la música no viniera del escenario, sino de algún punto compartido entre ellos y la audiencia.

Fue más un concierto para sentir y escuchar que para ver. Desde los primeros acordes, el ambiente se transformó en algo contemplativo, inmersivo, donde el tiempo parecía diluirse entre reverberaciones y silencios perfectamente colocados. No había prisa, no había exceso: solo una narrativa construida a base de guitarras que dialogaban con una precisión casi intuitiva.

A lo largo del show, el silencio también jugó un papel clave. No como ausencia, sino como parte del lenguaje. Pausas que permitían respirar la música y dejar que cada pieza se asentara con profundidad. En ese vaivén entre lo sutil y lo envolvente, la audiencia se mantuvo completamente entregada, en un estado casi hipnótico.

Las guitarras, cargadas de ecos latinoamericanos y tintes desérticos, construyeron paisajes que remitían tanto a lo fronterizo como a lo emocional. Había una sensación constante de viaje, como si cada tema abriera una escena distinta: polvo, carretera, nostalgia y una calma que pocas veces se logra en vivo.

Hacia el cierre, la conexión ya era total. No hizo falta un momento explosivo; bastó con sostener esa línea emocional que venían tejiendo desde el inicio. Lo que ocurrió esa noche en el C4 no fue solo un concierto, sino una experiencia sensorial completa: una de esas que no se explican del todo, pero se quedan resonando días después.

Reseña por Ofelia Ocaña.

Fotografías por: Xiména Pérez.

Un arquitecto de paisajes sonoros

Hablar de Patrick Watson es hablar de un artista que no teme a la vulnerabilidad. Nacido en California pero criado en Montreal, Watson comenzó su camino musical en bandas de ska antes de encontrar su verdadera voz en la mezcla de indie folk, psicodelia y arreglos orquestales.

Desde su debut en 2003 con Just Another Ordinary Day, dejó claro que su música no buscaba el camino fácil del pop comercial. Su consagración llegó en 2006 con el álbum “Close to Paradise”, trabajo con el que ganó el prestigioso Polaris Music Prize, consolidándose como una de las mentes más brillantes de la industria canadiense.

A lo largo de su trayectoria, nos ha regalado joyas como:

• “Je te laisserai des mots”: Un himno de delicadeza que se ha vuelto viral por su capacidad de detener el tiempo.
• “1979”: No, no el cover de los Pumpkins, sino su propio universo de nostalgia.
• “Lighthouse”: Una pieza que demuestra su maestría para crear atmósferas cinematográficas.

“Uh Oh”: El regreso a tierras tapatías

El motivo que trae a Watson de vuelta a México es la presentación de su material más reciente, “Uh Oh” (2025). Este disco, que él mismo describe como una obra más coral y colaborativa, explora la pérdida y el reencuentro de su propia voz, literalmente. Tras un periodo de problemas vocales que lo obligaron a replantear su forma de componer, este álbum se siente como un renacimiento.

En el C4 Concert House, los asistentes podrán ser testigos de esa capacidad única que tiene Patrick para conectar con su audiencia a través de la improvisación y una naturalidad que rompe la barrera entre el escenario y el público.

Detalles del evento:

• Fecha: Jueves, 5 de febrero de 2026.
• Lugar: C4 Concert House
• Boletos: Disponibles a través de TicketNow.

Patrick Watson no solo viene a cantar; viene a construir un momento de libertad y catarsis colectiva. Si buscas una noche donde la música vuele libre, esta es la señal que esperabas.

Con una banda bien engranada y un sonido pulcro, Leiva construyó un recorrido que equilibró la energía del rock con momentos íntimos, esos en los que su voz y sus letras toman el control absoluto. El set avanzó entre temas que invitan a corear y otros que bajan las revoluciones para conectar desde lo emocional, mostrando la dualidad que caracteriza su proyecto: intensidad y sensibilidad en la misma línea.

Más allá del repertorio, uno de los puntos más fuertes del concierto fue la cercanía que mantuvo con el público tapatío. Entre canciones, Leiva se dio tiempo para agradecer, bromear y reconocer la respuesta de la gente, creando una atmósfera cálida que hizo que el show se sintiera menos como un concierto y más como una reunión musical entre amigos.

La producción acompañó con una iluminación sobria pero efectiva, resaltando los climas de cada tema sin robar protagonismo a la música. Todo fluyó con naturalidad: guitarras potentes, secciones rítmicas firmes y una interpretación vocal que sostuvo la intensidad de principio a fin.

El paso de Leiva por Guadalajara dejó una sensación clara: su propuesta sigue creciendo sin perder honestidad. La presentación del 18 de enero no solo fue un repaso por su trayectoria, sino una confirmación de su conexión con el público mexicano, que respondió con coros, aplausos y una energía constante.

Guadalajara los quiere, y ellos lo saben. Pocas agrupaciones extranjeras pueden presumir una conexión tan intensa con la ciudad. Motorama no solo llena venues, sino que logra que el público los abrace como si fueran de casa. Ya son, sin discusión, los rusos más tapatíos: cada visita se vive como una comunión post punk donde las emociones se liberan entre sombras, humo y reverberación. Su presencia tiene algo de ritual, un encuentro donde la melancolía se vuelve celebración y el frío del norte se disuelve en el calor humano del público.

Durante su presentación, la banda repasó distintos momentos de su discografía con una precisión casi mecánica, pero cargada de alma. Canciones que invitan tanto al movimiento como a la introspección, con ese tono existencial tan propio del género. No hubo grandes discursos, solo la fuerza de la música ocupando todo el espacio, como si las palabras sobraran.

Motorama volvió a recordarnos que el post punk no envejece: solo muta, se adapta y se vuelve más humano. Y en Guadalajara, esa pulsación encontró su frecuencia perfecta. Una noche donde los ecos del frío ruso se mezclaron con el corazón ardiente de la ciudad, sellando una vez más una relación que ya es pura devoción.

Reseña y fotografías: De Oficios Varios.

Los filandeses demostraron porque siguen siendo una referencia obligada en la escena del metal melódico internacional.

Antes del acto principal, el público fue recibido por Sky Wolves una poderosa banda mexicana que prendió los ánimos desde los primeros acordes, con un sonido sólido, técnica impecable y una gran presencia escénica. Sky Wolves dejo claro que el talento nacional puede compartir escenario con las grandes ligas del metal europeo, su propuesta convina la velocidad clásica del power metal con melodías envolventes y una energía contagiosa que arrancó ovaciones y puños en alto entre los asistentes.

Cuando Stratovarius subió al escenario, la euforia fue inmediata, desde los primeros acordes de speed of ligth hasta los temas más recientes, el público coreo la letra con una devoción casi ritual.

El vocalista Timo kotipelto mantuvo una conexión constante con los fans, agradeciendo en repetidas ocasiones el calor del público tapatío, mientras que Jend Johansson ( teclados ) y Matías Kupiainen (guitarra) deslumbraron con ejecuciones técnicas que arrancaron gritos y aplausos.

Uno de los momentos más emotivos de la noche llegó con Black Diamond, interpretados entre luces azules y coros multitudinarios que llenaron el recinto de una atmósfera épica.

El cierre con Hunting High and low dejo a todos con la adrenalina al maximo, sellando un concierto que reafirma el status legendario de Stratovarius y la pasión de su público en Guadalajara.

En resumen, fue una noche donde la potencia, la técnica y la emoción se combinaron en perfecta armonía, Stratovarius demostró que el poder del metal melódico sigue más vivo que nunca, mientras que Sky Wolves dejo una huella fuerte como representante del talento nacional emergente.

Reseña: Vianey Monreal

Fotografías: Mike Jasso

El set se construyó como una espiral. La primera parte fue una entrega completa de El Fuego de la Noche, el álbum que en 1996 los puso en el mapa y que, interpretado tres décadas después, suena menos a nostalgia y más a origen. Cada canción fue un trazo en la memoria colectiva de quienes han seguido a José Manuel Aguilera y compañía desde aquel inicio de guitarras densas y letras que arden lento. Las piezas no se sintieron viejas; se sintieron depuradas, resignificadas, como si el tiempo sólo hubiera limado lo innecesario.

Después vino el repaso de su travesía: temas de distintas etapas que mantuvieron esa tensión entre lo poético y lo eléctrico. “Ayer me dijo un ave”, “Día negro”, “Brecha” o “Entre la niebla” aparecieron como ecos familiares, sostenidos por una banda que toca con el pulso de quien ya no busca probar nada. La comunión fue inmediata: el público, en su mayoría de miradas maduras y oídos fieles, respondió con la calma de quien sabe lo que está presenciando, sin aspavientos, con respeto y devoción.

El sonido del C4 Concert House acompañó con precisión la propuesta: una atmósfera envolvente, de frecuencias que parecían quedarse flotando en el aire, dándole a cada nota el peso justo. Si algo caracteriza a La Barranca es la sobriedad y la intención, y esa noche ambas virtudes se sintieron como el hilo conductor de un espectáculo sin fisuras.

Más que un festejo, fue una reafirmación. Treinta años después, La Barranca sigue siendo esa banda que no se rinde a la fórmula, que persiste en el riesgo, que sigue buscando belleza en la grieta. Aguilera lo dijo entre canciones: “El fuego no se apaga, sólo cambia de forma”. Y así fue: cada acorde pareció encender algo en quienes llenaron el recinto, recordando que hay música que no envejece, sólo se vuelve más esencial.

El cierre, con un agradecimiento sincero y una promesa velada de continuar la gira XXX Años por otras ciudades del país —con escalas ya confirmadas en Xalapa, Puebla y el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México—, dejó la sensación de que esta historia aún tiene capítulos por escribirse.

Treinta años después, La Barranca sigue siendo lo que siempre fue: una llamarada discreta pero imposible de ignorar. En Guadalajara, esa noche, el fuego volvió a arder.

Por: Alejandro Salgado.

Marylu Vasallo (Resonante Radio): Buenas tardes, José Manuel, y muchísimas gracias por brindarnos este espacio para conversar. Para iniciar, hablemos de esta cifra imponente: 30 años de La Barranca. ¿Cómo se siente para ustedes celebrar esta trayectoria y qué balance hacen de este recorrido musical?

José Manuel Aguilera (La Barranca): Bueno, por un lado, es una sorpresa, aunque no lo creas. Uno no está tan atento a los aniversarios; por lo general, uno está ocupado en resolver el día a día y la cotidianidad de la banda. Hay una parte de todo esto que me sorprende. Por otra parte, la cifra misma me parece escandalosa y obscena. ¡30 años es un montón! Nunca me imaginé que estaría hablando de La Barranca 30 años después de que arrancó.

El balance, creo, siempre está ligado al momento en que lo haces. Lo que te diría hoy es que La Barranca sigue existiendo y sigue haciendo música. A lo mejor ni yo me explico cómo ha sido posible, pero la realidad es esa: estamos activos 30 años después, y yo creo que eso, para mí, es un balance extremadamente positivo.

MV: Absolutamente. Lograr 30 años es un mérito que no todas las bandas alcanzan.

JMA: Sí, ya de entrada lo es. Pero en nuestro caso específico, no hablo solo de existir—porque a veces una silla también cumple 30 años—. El mérito de nosotros es que son 30 años de estar haciendo música, de estar activos y de seguir haciéndolo. Esa es la enorme diferencia.

MV: ¿Cuál es el principal motor o la inspiración que tienen para mantener viva la esencia que tienen como banda?

JMA: Pues yo creo que esto ya se convirtió en lo principal en la vida. A esto nos hemos dedicado durante 30 años y es lo que hacemos. No hay una razón adicional, simplemente a esto me dedico. Y lo que sí te puedo decir es que a mí me sigue intrigando el proceso de la música. Me sigue emocionando hacer un disco, me sigue dando muchísimo placer estar haciendo música.

MV: A lo largo de este tiempo, han visto crecer a sus seguidores. ¿Cómo perciben la relación con su audiencia?

JMA: El público nuestro, si algo tengo que decir, es que es sumamente generoso y especial. Hemos desarrollado una relación muy estrecha con ellos. El público de La Barranca no es casual; es rara la gente que se acerca porque nos oyó en la radio o algo así, cosa que de hecho no nos pasa mucho en los canales comerciales. Por lo general, es gente que llegó por recomendación de amigos.

Nuestro público ha sido muy fiel y, sobre todo, nos ha otorgado una inmensa confianza para intentar cosas diferentes, que es lo que distingue al público de La Barranca: se han aventurado con nosotros en los diferentes etapas y movimientos que ha hecho la banda a lo largo de estos 30 años. Esa apertura es algo que nosotros, como músicos, valoramos enormemente.

MV: Celebrando estos 30 años, van a estar en Guadalajara en el C4 Concert House. ¿Cuáles son las expectativas que tienen para este concierto?

JMA: Mira, he aprendido a lo largo de estos 30 años a nunca hacerme expectativas de lo que puede pasar en un concierto, porque siempre es un poco impredecible. En nuestro caso, siempre tratamos de hacer algo diferente, así que no hay tanto una expectativa, pero lo que sí hay son ganas de ir a tocar allá y, sobre todo, de celebrar. Este es un concierto que hemos diseñado con la intención de celebrar con el público. Pienso que el hecho de que una banda exista por 30 años, haciendo discos y proponiendo cambios, es imposible si no existiera este público del que estamos hablando. Es una invitación, quiero que estén ahí porque la celebración también les pertenece.

MV: Hay mucha gente que los ha empezado a escuchar hace poco y que quizás nunca los ha visto en vivo. ¿Qué les dirías para invitarlos a experimentar la música de La Barranca en el escenario?

JMA: Fíjate que eso se da todavía. Mucha gente nos escucha desde hace poco o mucho tiempo y nunca nos ha visto en vivo. Yo lo que diría es que La Barranca es mejor en vivo que en el estudio, o quizás no debería decirlo así, pero siento que La Barranca tiene la posibilidad de sonar de una manera diferente en el escenario, de cómo suena en los discos. La experiencia de acercarse a la música de La Barranca se complementa, se completa, de hecho, con la experiencia en vivo.

MV: Y mirando hacia el futuro, ¿hay algún sueño o dirección musical que les gustaría explorar?

JMA: Idealmente, nos gustaría seguir moviéndonos, encontrando cosas. Pero normalmente eso no sucede de manera tan planeada en La Barranca. Rara es la vez que nos hemos sentado y dicho “vamos a hacer un disco que se vaya para este lado”. Normalmente, eso lo encontramos al empezar a hacer las canciones. Son ellas las que nos dicen para dónde se puede ir la banda. Entonces, más bien, ojalá podamos seguir haciendo canciones y que ellas nos señalen posibilidades diferentes.

MV: Excelente. Pues muchísimas gracias, José Manuel, por este espacio para Resonante Radio, y esperamos vernos ahí el 18 de octubre en el C4 Concert House.

JMA: Claro que sí. Pues hola, soy José Manuel Aguilera. Los invito a todos ustedes, audiencia de Resonante Radio, a que nos acompañen a celebrar 30 años de actividad musical ininterrumpida de La Barranca en Guadalajara, en el nuevo C4 Concert House. Vamos a estar ahí el 18 de octubre en un concierto celebratorio muy especial, tocando en su totalidad “El Fuego de la Noche”, que es nuestro disco debut.

Después de escuchar a José Manuel Aguilera, queda claro que la longevidad de La Barranca se debe a la honestidad de su música y a la lealtad de un público que valora su búsqueda constante. El concierto del 18 de octubre en el C4 Concert House es una parada obligatoria en su gira “XXX años”, un momento para honrar el legado y presenciar el rock de una banda que aún deja que la música sea su única guía hacia el futuro.

El setlist fluyó entre lo nuevo y lo conocido: So Cold, Designer, Moon Man y The Question marcaron momentos de conexión colectiva, donde las luces suaves del C4 parecían respirar al compás de los sintetizadores. Cada tema fue una pequeña historia sobre vínculos, dudas y esa soledad que todos entendemos pero pocos saben decir. Con su álbum Portal recién lanzado, los neozelandeses demostraron que están lejos de ser una promesa; son una banda en plena madurez creativa, con una producción elegante y letras que se sienten cercanas incluso a kilómetros de distancia de su origen.

El público respondió con calidez. Había quienes los conocían desde sus primeros EPs y quienes apenas descubrían su sonido, pero todos compartieron ese instante en que la música logra suspender el tiempo. En los temas más introspectivos, el silencio se volvió parte del ritmo; en los más luminosos, el eco de las voces se mezcló con aplausos y sonrisas.

Más que un show, fue una especie de confesión colectiva. Balu Brigada no buscó deslumbrar con espectáculo, sino envolver con emoción. Entre luces cálidas, risas, y letras que invitan a mirar hacia adentro, el concierto se sintió como una madrugada emocional compartida. Al final, cuando las últimas notas de Designer se apagaron, quedó esa sensación que pocos conciertos logran dejar: la de haber estado en el lugar exacto, con la música justa, en el momento preciso.

Cobertura por Manuel Crail.

The Living Tombstone, el dúo creador de himnos virales como Five Nights at Freddy’s, No Mercy y My Ordinary Life, llegó con su World Tour 2025 y desató una experiencia que fue mucho más que un concierto: fue un viaje audiovisual inmersivo.

Desde el primer acorde, el público —gamers, melómanos y curiosos por igual— saltó, cantó y vibró al ritmo de guitarras distorsionadas, sintetizadores potentes y un espectáculo de luces que parecía sacado de un videojuego. Entre coreografías, disfraces y una conexión genuina con la audiencia, el dúo demostró por qué sus shows agotan boletos alrededor del mundo.

Fotografías y nota: De Oficios Varios.