Un arquitecto de paisajes sonoros

Hablar de Patrick Watson es hablar de un artista que no teme a la vulnerabilidad. Nacido en California pero criado en Montreal, Watson comenzó su camino musical en bandas de ska antes de encontrar su verdadera voz en la mezcla de indie folk, psicodelia y arreglos orquestales.

Desde su debut en 2003 con Just Another Ordinary Day, dejó claro que su música no buscaba el camino fácil del pop comercial. Su consagración llegó en 2006 con el álbum “Close to Paradise”, trabajo con el que ganó el prestigioso Polaris Music Prize, consolidándose como una de las mentes más brillantes de la industria canadiense.

A lo largo de su trayectoria, nos ha regalado joyas como:

• “Je te laisserai des mots”: Un himno de delicadeza que se ha vuelto viral por su capacidad de detener el tiempo.
• “1979”: No, no el cover de los Pumpkins, sino su propio universo de nostalgia.
• “Lighthouse”: Una pieza que demuestra su maestría para crear atmósferas cinematográficas.

“Uh Oh”: El regreso a tierras tapatías

El motivo que trae a Watson de vuelta a México es la presentación de su material más reciente, “Uh Oh” (2025). Este disco, que él mismo describe como una obra más coral y colaborativa, explora la pérdida y el reencuentro de su propia voz, literalmente. Tras un periodo de problemas vocales que lo obligaron a replantear su forma de componer, este álbum se siente como un renacimiento.

En el C4 Concert House, los asistentes podrán ser testigos de esa capacidad única que tiene Patrick para conectar con su audiencia a través de la improvisación y una naturalidad que rompe la barrera entre el escenario y el público.

Detalles del evento:

• Fecha: Jueves, 5 de febrero de 2026.
• Lugar: C4 Concert House
• Boletos: Disponibles a través de TicketNow.

Patrick Watson no solo viene a cantar; viene a construir un momento de libertad y catarsis colectiva. Si buscas una noche donde la música vuele libre, esta es la señal que esperabas.

Desde el primer golpe sonoro, el venue se vio envuelto por una atmósfera densa y electrizante donde cada riff, cambio de ritmo y pasaje instrumental fue recibido con euforia por un público entregado. La conexión entre banda y audiencia se sintió inmediata, creando un vaivén emocional entre momentos agresivos y secciones más profundas y envolventes.

El show fue un recorrido por su evolución musical, combinando brutalidad técnica con paisajes sonoros más melódicos y experimentales que ya son sello del grupo. Las guitarras afiladas, la precisión rítmica y una presencia escénica firme mantuvieron la energía en lo alto de principio a fin. Rivers of Nihil no sólo ofreció un concierto, sino una experiencia intensa y catártica, dejando claro en Guadalajara por qué su propuesta sigue ganando fuerza dentro de la escena metalera internacional.

Con un foro lleno la banda sueca respondió ante el público tapatío una entrega total desde los primeros acordes. Iniciando la noche con su canción “Punish My heaven” el público no dudó en responder con gritos y puños en alto pues después de casi 2 años de ausencia, Dark Tranquillity regresaba a nuestras tierras para presentarnos lo mejor de su repertorio.

El vocalista Mikel Stanne se mostró muy eufórico durante toda la noche animando constantemente a los fans, esa energía se tradujo en movimiento: el slam comenzó desde las primeras canciones y no se detuvo en ningún momento de la noche. 

El repertorio fue un recorrido sobre las distintas etapas de la banda, las canciones que el público más coreó fueron “Lethe”, “Misery’s Crown”, “Terminus”, ‘Not Nothing” y por supuesto la más esperada de la noche “Atoma”. Cada canción fue recibida con gritos ensordecedores, puños en alto que dejó claro que el Death metal aún no ha muerto.

Con una duración de casi 2 horas Dark Tranquillity vivió un gran momento con el público tapatío fue una noche de comunión absoluta entre la banda y los fans, dónde la euforia, el metal y el slam se fusionaron que quedará grabada para quienes estuvieron ahí. 

Por: Luisa Alonso.

Su set abrió con piezas de su más reciente producción, lo que permitió al público encontrar nuevos matices de su sonido: la fusión de electrónica, folk y ritmos latinos creó una atmósfera envolvente. Aun así, no faltaron los temas clásicos que los seguidores esperaban, con los cuales el recinto respondió con aplausos, cantos y complicidad sonora. La voz de Lange —suave, cercana, cargada de matices— resonó claramente en el recinto, y en esos momentos de calma y susurro, uno podía sentir la emoción colectiva flotando en el aire.

Visualmente, el espectáculo apostó por una puesta mínima pero cuidada: luces tenues que acompañaban la melancolía de ciertos pasajes, y momentos de mayor energía donde la electrónica subía el pulso. Hubo un balance admirable entre la quietud contemplativa y la euforia compartida. En la parte intermedia del show, Helado Negro pareció dirigirse directamente al público con breves reflexiones, hablando de identidad, de raíces latinas, de memoria —temas que ha trabajado antes y que aquí cobraron nueva fuerza al sentirse en vivo.

El público respondió no solo con atención, sino con entrega: las secciones más íntimas provocaron silencio reverente, las más eléctricas un caos controlado de movimiento y aplausos. El sonido en C3 Stage estuvo bien calibrado: la mezcla permitió que los sintetizadores flotaran sin opacar la voz o las guitarras, lo que es clave cuando se maneja un registro tan híbrido como el de Helado Negro. Quizás algún momento la guitarra acústica pudo haber estado un poco más al frente en volumen, pero eso no minó la experiencia.

En el tramo final, la energía subió: varios temas cerraron el concierto con un sentimiento de celebración —no sólo de la música, sino del momento compartido entre artista y público. Cuando las luces se encendieron al término, había una sensación de haber sido parte de algo especial, más que un simple concierto: una reunión de personas que vinieron a sentir, a conectar, a dejarse llevar.

En definitiva: la presentación de Helado Negro en C3 Stage el 12 de noviembre fue un triunfo emocional y artístico. Logró amalgamar lo reflexivo y lo festivo, lo personal y lo colectivo, en un espacio que permitió que cada nota se sintiera como una conversación íntima con el público. Si estabas ahí, te fuiste con el corazón un poco más ligero, el alma un poco más llena.

Reseña y fotografías por: De Oficios Varios.

Guadalajara los quiere, y ellos lo saben. Pocas agrupaciones extranjeras pueden presumir una conexión tan intensa con la ciudad. Motorama no solo llena venues, sino que logra que el público los abrace como si fueran de casa. Ya son, sin discusión, los rusos más tapatíos: cada visita se vive como una comunión post punk donde las emociones se liberan entre sombras, humo y reverberación. Su presencia tiene algo de ritual, un encuentro donde la melancolía se vuelve celebración y el frío del norte se disuelve en el calor humano del público.

Durante su presentación, la banda repasó distintos momentos de su discografía con una precisión casi mecánica, pero cargada de alma. Canciones que invitan tanto al movimiento como a la introspección, con ese tono existencial tan propio del género. No hubo grandes discursos, solo la fuerza de la música ocupando todo el espacio, como si las palabras sobraran.

Motorama volvió a recordarnos que el post punk no envejece: solo muta, se adapta y se vuelve más humano. Y en Guadalajara, esa pulsación encontró su frecuencia perfecta. Una noche donde los ecos del frío ruso se mezclaron con el corazón ardiente de la ciudad, sellando una vez más una relación que ya es pura devoción.

Reseña y fotografías: De Oficios Varios.

Cuando finalmente Selofan salió al escenario la energía cambio por completo, la atmósfera se torno oscura, densa, casi hipnótica, dominada por los sintetizadores que caracterizan su propuesta sonora.

Desde los primeros Beats se sintió que no sería un concierto común si no una experiencia inmersiva.

Johanna con un outfit increíble lleno de presencia escénica y un aire enigmático se adueñó del escenario con una naturalidad impresionante, lo más fascinante fue verla cambiar de instrumento en cada canción: Saxofón, melodion, pandero , sintetizadores y el imponente sonido del bajo ejecutado por Dimitri.

Cada elemento sumaba una capa distinta al sonido que se movía entre lo Dark wave sin perder su identidad, el concepto visual y sonoro de la banda fue coherente de principio a fin, la iluminación tenue, las proyecciones y la mezcla de texturas electrónicas con instrumentos poco comunes, creaban una sensación de oscuridad elegante, melancólica pero vibrante, cada tema parecía construido para envolver al público más que para hacerlos brincar, una experiencia más introspectiva donde cada sonido tenia intención.

Lo más destacable del show fue esa atmósfera oscura y minimalista que no necesitaba excesos para impactar todo estaba en su lugar, la ejecución, la energía y la conexión silenciosa entré el público y la banda fue un viaje sensorial lo más cercano a una ceremonia que a un concierto tradicional.

Reseña por: Vianey Monreal.

Fotografías: Mike Jasso.

El escenario no fue solo un espacio físico, sino un umbral entre lo real y lo espectral. Cada tema fue una invocación. Sonaron himnos como Musique d e s a s t r e, Chez toi, Magnétique y su más reciente sencillo Mexican wave, una pieza que tributa a la cultura mexicana con beats que oscilan entre la euforia y la angustia, como si las ruinas del pasado bailaran bajo luces de neón. En cada compás se sintió el eco de la música industrial de los años 70 y el auge del darkwave ochentero, revivido y redicho desde un lenguaje tan actual como necesario.

La noche del 12 de julio cantamos, bailamos, declamamos, gritamos al compás de la muerte que se hace danza, espectro de una conciencia colectiva, más que música para bailar es resistencia que se hace melodía, para las almas que lo puedan interpretar con el cuerpo.

No asistimos a un concierto, sino a una obra viva. Una danza fúnebre que late. Una poética escénica donde la muerte se vuelve cuerpo, y el cuerpo, voz colectiva. Su performance, tan pulido como visceral, fluyó entre la improvisación precisa y la teatralidad como acto de resistencia. Cada gesto, cada movimiento, parecía dictado por una partitura invisible que solo se escucha si se siente con el alma abierta.

La Bande-Son Imaginaire no interpreta canciones: canaliza paisajes internos, memorias fantasmales y pulsiones humanas que trascienden la lógica del género musical. En tiempos donde todo se homogeniza, su propuesta nos recuerda que la originalidad aún existe. Que lo extinto puede reencarnarse. Que hay sonidos que no se bailan: se descifran, se encarnan. Y que hay noches, como esta, donde la música deja de ser fondo para volverse protagonista de una ceremonia que no se olvida.

Redacción y fotografía por: Katya Ramírez

Los más de 30 años de carrera de esta agrupación los ha consolidado como uno de los iconos más reconocibles dentro de la escena del metal gótico y eso les ha retribuido con una base de fanáticos bastante fiel. Como parte de su gira Lament, que promociona su más reciente álbum, Lacrimosa volvió a Guadalajara después de tres años de su última visita y parecía que había pasado más tiempo de no pisar suelo tapatío, con una planta baja del C4 llena donde transitar se volvió muy complicado.

Las luces se apagaron unos cuantos minutos después de las 9 de la noche y el público estalló de emoción. Poco a poco los miembros de la banda salieron al escenario, pero la ovación se la llevó la pareja que es la mente maestra detrás de Lacrimosa. El vocalista Tilo Wolff y la tecladista Anne Nurmi fueron recibidos en medio de un bullicio ensordecedor que alcanzó decibeles más altos cuando sonaron los primeros acordes de Avalon, la primera canción de la noche.

Wolff no solo es una de las mentes detrás de la composición del repertorio de Lacrimosa, es un showman y es perfectamente consciente de ello; lo disfruta y se nota. Su interacción con el público y hasta con las y los fotógrafos dejaron en claro que le gusta el reflector, pero también sabe cederlo cuando es necesario. En apenas la cuarta canción de la noche, Anne se paró en medio del escenario y el público volvió a explotar en júbilo, pues sabían que era su turno en la voz principal. Fue momento de escuchar Dark is This Night con Anne como vocalista y el público estuvo conmovido. Y apenas iban cuatro canciones.

El concierto mantuvo su dinamismo y energía de principio a fin, incluso se puede decir que al final de la presentación todos los miembros de la banda se notaban más animados e interpretando con mucha más potencia cada una de las canciones. La conexión de Lacrimosa con su público llegó en el momento que tocaron Durch Nacht und Flut, que cuenta con una parte en español que probablemente dejó a varios asistentes sin voz por cantarla a todo pulmón. 

El recorrido de Lacrimosa por lo mejor de su extensa discografía terminó después de un segundo encore, en donde Tilo y Anne hicieron una consulta a su público para que eligiera entre dos canciones, llamadas por el mismo Wolff “un clásico nuevo y un clásico viejo”. La elección fue sencilla para los asistentes, por lo que empezaron a tocar Ich bin der brennende Komet, pieza de sus primeros trabajos. Y el cierre no pudo ser mejor, en cuanto Tilo dijo que sería Copycat el público estalló para cantar con lo que les quedaba de voz.

Dos horas de concierto y una experiencia bastante emotiva fue lo que se llevó el público asistente, que agradeció a Anne y Tilo con regalos y aplausos, esperando que regresen lo más pronto posible a la Perla Tapatía.
Lacrimosa continúa su ambiciosa gira por México que contempla un total de 22 fechas este mes por varias ciudades, en lo que denominaron el The Mexican Tour, un apartado especial dentro de la gira Lament.

Recuerda estar al pendiente de todas las coberturas que RESONTANTE RADIO tiene para ti.

Fotografía: Tonatiuh Tello

edacción: Óscar Franco

Desde el primer riff, Marc “Zelli” Zellweger y compañía impusieron su dominio absoluto del escenario. Con un set implacable que incluyó bombas como “Hatred”, “My Blood On Your Hands”, y “Love Burns”, la banda no dio tregua. La ejecución fue milimétrica, brutal, y directa al pecho: guitarras afiladas, bajos monstruosos y una batería que sonó como un tanque de guerra.

El público mexicano respondió con furia y devoción. El moshpit fue un campo de batalla y cada breakdown se sintió como un terremoto. Zelli no dudó en agradecer la entrega total de los fans, dejando claro que Guadalajara se convirtió en territorio Paleface.

Reseña y fotografías: De Oficios Varios.

A las 7:30 p. m., la banda mexicana Sever The Light salió a escena para dar apertura al concierto. A medida que transcurrían los minutos, más asistentes emocionados seguían llegando al recinto. Para las 8:20 p. m., los ingleses de Neonfly dieron apertura al acto principal, Lacuna Coil.

Siendo las 9:35 p. m. en punto las luces se apagaron y llegó la hora que muchos habían esperado por meses: era el momento de recibir a nuestra banda italiana favorita en el escenario.

Cristina Scabbia (voz), Andrea Ferro (voz), Marco Coti (bajo), Richard Meiz (batería) y Daniele Salamone (guitarra) llegaron para conquistar nuestros corazones abriendo el show con “Layers Of Time” y “Reckless”, ambos sencillos de su álbum Black Anima. Luego, nos deleitaron con “Hosting of Shadow”, colaboración con Randy Blythe (Lamb Of God) perteneciente a su último álbum, Sleepless Empire.

“Tight Rope”, “Kill The Light”, “Trip The Darkness”, “Apocalypse”, “Now Or Never” y grandes éxitos como “Our Truth” y “Enjoy The Silence” (Depeche Mode Cover) formaron parte de este amplio repertorio. Poco después, pudimos escuchar algunas canciones de su último álbum, como “Oxygen”, “Never Down”, “Gravity” y su más reciente y pegajoso sencillo, “I Wish You Were Dead”, el cual fue coreografiado por varios de los asistentes, incluyendo algunos miembros de la banda.

Un evento con casi lleno total, una gran interacción con la audiencia, sentimientos a flor de piel, un grandioso setlist y la gran entrega de la banda con el público tapatío hicieron de esta noche una experiencia inolvidable para los asistentes en Guadalajara. Lacuna Coil es una banda con una energía increíble y, luego de casi dos horas, finalizaron su show con su más famoso sencillo, “Swamped”, para después dar un cierre glamoroso y coreado por todos con “Nothing Stands In Our Way”. Esperamos tenerlos muy pronto de vuelta por tierras tapatías.

Redacción por Cristian Ruiz

Fotografías por Marylu Vasallo