Reconocido por su capacidad de transformar sentimientos introspectivos en canciones profundamente contagiosas, Yellow Days se ha consolidado como una de las voces más singulares del indie contemporáneo. Su sonido —una mezcla envolvente de indie rock, soul, psicodelia y jazz— conecta desde lo vulnerable, invitando al público a perderse entre letras honestas, arreglos cálidos y una energía que fluye entre la nostalgia y la euforia contenida.

El show en Guadalajara promete un recorrido por los temas que han marcado su carrera, así como nuevas piezas que reflejan la evolución artística del proyecto. En un formato cercano y casi confesional, Cuerda Cultura será el punto de encuentro ideal para vivir la experiencia Yellow Days sin filtros: directa, emocional y profundamente humana.

Esta fecha no solo marca el regreso del artista al país, sino también una oportunidad única para experimentar su música en un entorno íntimo, donde cada nota y cada silencio cuentan. Para los fans de la sensibilidad alternativa y los sonidos que se sienten más de lo que se explican, el 21 de febrero de 2026 ya está marcado en el calendario como una noche imperdible en Guadalajara.

Fecha: 21 de febrero 2026

Hora de inicio: 9:00 p.m. / Apertura de puertas: 7:00 p.m.

Lugar: Cuerda Cultura (Calle Garibaldi #580 Centro, Gdl).

Boletos a la venta en: FEVER 

Un arquitecto de paisajes sonoros

Hablar de Patrick Watson es hablar de un artista que no teme a la vulnerabilidad. Nacido en California pero criado en Montreal, Watson comenzó su camino musical en bandas de ska antes de encontrar su verdadera voz en la mezcla de indie folk, psicodelia y arreglos orquestales.

Desde su debut en 2003 con Just Another Ordinary Day, dejó claro que su música no buscaba el camino fácil del pop comercial. Su consagración llegó en 2006 con el álbum “Close to Paradise”, trabajo con el que ganó el prestigioso Polaris Music Prize, consolidándose como una de las mentes más brillantes de la industria canadiense.

A lo largo de su trayectoria, nos ha regalado joyas como:

• “Je te laisserai des mots”: Un himno de delicadeza que se ha vuelto viral por su capacidad de detener el tiempo.
• “1979”: No, no el cover de los Pumpkins, sino su propio universo de nostalgia.
• “Lighthouse”: Una pieza que demuestra su maestría para crear atmósferas cinematográficas.

“Uh Oh”: El regreso a tierras tapatías

El motivo que trae a Watson de vuelta a México es la presentación de su material más reciente, “Uh Oh” (2025). Este disco, que él mismo describe como una obra más coral y colaborativa, explora la pérdida y el reencuentro de su propia voz, literalmente. Tras un periodo de problemas vocales que lo obligaron a replantear su forma de componer, este álbum se siente como un renacimiento.

En el C4 Concert House, los asistentes podrán ser testigos de esa capacidad única que tiene Patrick para conectar con su audiencia a través de la improvisación y una naturalidad que rompe la barrera entre el escenario y el público.

Detalles del evento:

• Fecha: Jueves, 5 de febrero de 2026.
• Lugar: C4 Concert House
• Boletos: Disponibles a través de TicketNow.

Patrick Watson no solo viene a cantar; viene a construir un momento de libertad y catarsis colectiva. Si buscas una noche donde la música vuele libre, esta es la señal que esperabas.

Bajo la bandera de la celebración de “The Emptiness”, uno de sus álbumes más emblemáticos y conceptuales, el sexteto liderado por Shawn Milke y Dennis Lee se prepara para sumergir a sus fans en un viaje sonoro lleno de narrativas retorcidas, explosiones emocionales y esa inconfundible fusión de melodía y caos.

Mucho más que un concierto: Una experiencia teatral

Lanzado originalmente en 2010, The Emptiness marcó a toda una generación con su historia inspirada en la obra de Edgar Allan Poe. En esta gira, Alesana no solo interpretará este disco de principio a fin, reviviendo cada suspiro y cada momento épico, sino que también incluirá los éxitos más grandes de su discografía para garantizar una noche de catarsis total.

Fechas de la Gira 2026:

• 18 de febrero: Monterrey, México – Showcenter Complex
• 19 de febrero: Guadalajara, México – Teatro Estudio Cavaret
• 22 de febrero: Bogotá, Colombia – Ace of Spades Club

Boletos y Accesos

No te quedes fuera de este “caos hermoso”. Los boletos ya se encuentran disponibles a través del sitio oficial GOS Concerts

Incluso antes de que José Madero saliera al escenario, la Arena ya retumbaba con el grito unánime de “¡Pepe, Pepe!” del público tapatío. Era la liberación de una larga espera que, finalmente, tenía su recompensa.

Madero, sin necesidad de trucos ni diálogos forzados, nos sumergió en su universo, regalándonos una maratón de 35 canciones que recorrieron su aclamada etapa solista. Los momentos visualmente intensos marcaron la noche: la interpretación de “Día de Mayo”, donde José apareció usando una camisa de fuerza, simbolizó perfectamente esa lucha interna que su música siempre ha reflejado, y con la que nos sentimos identificados al gritar a todo pulmón “Y no merezco algo mejor, no”.

La conexión con el público fue total. La canción “Violencia” se convirtió en un mar de luz, pues todos los fans encendieron las luces de sus celulares, iluminando por completo la Arena y creando un momento de unidad impresionante. Otros himnos solistas esperados, como la coreada “Cerraron Chipinque”, mantuvieron la euforia al máximo, donde hasta un gran baile nos regalo Pepe.

Y, por supuesto, no podía faltar el guiño a la nostalgia que lo vio nacer: a poco más de la mitad del concierto, el público estalló al escuchar las notas de “Nuestra Aflicción”. El éxtasis se repitió casi para el cierre con el gran himno de una generación: “Narcisista por Excelencia” la cual se sintió como un abrazo para el adolescente que fuimos.

El dramatismo continuó con “Sin Ampersand”, un momento cumbre donde los fans le regalaron una lluvia de ramos de flores que él, fiel a su estilo de rechazo a lo cursi, fue rompiendo en el escenario, mientras todos coreábamos “tengo miedo de pedir perdón, tengo miedo de hacer esto peor”.

Casi al finalizar el show, Pepe se tomó un momento para hablar con la multitud. Les dedicó unas palabras de agradecimiento sincero a Guadalajara por la larga espera y la lealtad demostrada. La noche culminó con “Dafne” y la promesa de volver pronto. Lo que presenciamos fue la catarsis colectiva de una generación, probando que la espera por el Tour Sarajevo valió absolutamente la pena.

El set se construyó como una espiral. La primera parte fue una entrega completa de El Fuego de la Noche, el álbum que en 1996 los puso en el mapa y que, interpretado tres décadas después, suena menos a nostalgia y más a origen. Cada canción fue un trazo en la memoria colectiva de quienes han seguido a José Manuel Aguilera y compañía desde aquel inicio de guitarras densas y letras que arden lento. Las piezas no se sintieron viejas; se sintieron depuradas, resignificadas, como si el tiempo sólo hubiera limado lo innecesario.

Después vino el repaso de su travesía: temas de distintas etapas que mantuvieron esa tensión entre lo poético y lo eléctrico. “Ayer me dijo un ave”, “Día negro”, “Brecha” o “Entre la niebla” aparecieron como ecos familiares, sostenidos por una banda que toca con el pulso de quien ya no busca probar nada. La comunión fue inmediata: el público, en su mayoría de miradas maduras y oídos fieles, respondió con la calma de quien sabe lo que está presenciando, sin aspavientos, con respeto y devoción.

El sonido del C4 Concert House acompañó con precisión la propuesta: una atmósfera envolvente, de frecuencias que parecían quedarse flotando en el aire, dándole a cada nota el peso justo. Si algo caracteriza a La Barranca es la sobriedad y la intención, y esa noche ambas virtudes se sintieron como el hilo conductor de un espectáculo sin fisuras.

Más que un festejo, fue una reafirmación. Treinta años después, La Barranca sigue siendo esa banda que no se rinde a la fórmula, que persiste en el riesgo, que sigue buscando belleza en la grieta. Aguilera lo dijo entre canciones: “El fuego no se apaga, sólo cambia de forma”. Y así fue: cada acorde pareció encender algo en quienes llenaron el recinto, recordando que hay música que no envejece, sólo se vuelve más esencial.

El cierre, con un agradecimiento sincero y una promesa velada de continuar la gira XXX Años por otras ciudades del país —con escalas ya confirmadas en Xalapa, Puebla y el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México—, dejó la sensación de que esta historia aún tiene capítulos por escribirse.

Treinta años después, La Barranca sigue siendo lo que siempre fue: una llamarada discreta pero imposible de ignorar. En Guadalajara, esa noche, el fuego volvió a arder.

Por: Alejandro Salgado.

Marylu Vasallo (Resonante Radio): Buenas tardes, José Manuel, y muchísimas gracias por brindarnos este espacio para conversar. Para iniciar, hablemos de esta cifra imponente: 30 años de La Barranca. ¿Cómo se siente para ustedes celebrar esta trayectoria y qué balance hacen de este recorrido musical?

José Manuel Aguilera (La Barranca): Bueno, por un lado, es una sorpresa, aunque no lo creas. Uno no está tan atento a los aniversarios; por lo general, uno está ocupado en resolver el día a día y la cotidianidad de la banda. Hay una parte de todo esto que me sorprende. Por otra parte, la cifra misma me parece escandalosa y obscena. ¡30 años es un montón! Nunca me imaginé que estaría hablando de La Barranca 30 años después de que arrancó.

El balance, creo, siempre está ligado al momento en que lo haces. Lo que te diría hoy es que La Barranca sigue existiendo y sigue haciendo música. A lo mejor ni yo me explico cómo ha sido posible, pero la realidad es esa: estamos activos 30 años después, y yo creo que eso, para mí, es un balance extremadamente positivo.

MV: Absolutamente. Lograr 30 años es un mérito que no todas las bandas alcanzan.

JMA: Sí, ya de entrada lo es. Pero en nuestro caso específico, no hablo solo de existir—porque a veces una silla también cumple 30 años—. El mérito de nosotros es que son 30 años de estar haciendo música, de estar activos y de seguir haciéndolo. Esa es la enorme diferencia.

MV: ¿Cuál es el principal motor o la inspiración que tienen para mantener viva la esencia que tienen como banda?

JMA: Pues yo creo que esto ya se convirtió en lo principal en la vida. A esto nos hemos dedicado durante 30 años y es lo que hacemos. No hay una razón adicional, simplemente a esto me dedico. Y lo que sí te puedo decir es que a mí me sigue intrigando el proceso de la música. Me sigue emocionando hacer un disco, me sigue dando muchísimo placer estar haciendo música.

MV: A lo largo de este tiempo, han visto crecer a sus seguidores. ¿Cómo perciben la relación con su audiencia?

JMA: El público nuestro, si algo tengo que decir, es que es sumamente generoso y especial. Hemos desarrollado una relación muy estrecha con ellos. El público de La Barranca no es casual; es rara la gente que se acerca porque nos oyó en la radio o algo así, cosa que de hecho no nos pasa mucho en los canales comerciales. Por lo general, es gente que llegó por recomendación de amigos.

Nuestro público ha sido muy fiel y, sobre todo, nos ha otorgado una inmensa confianza para intentar cosas diferentes, que es lo que distingue al público de La Barranca: se han aventurado con nosotros en los diferentes etapas y movimientos que ha hecho la banda a lo largo de estos 30 años. Esa apertura es algo que nosotros, como músicos, valoramos enormemente.

MV: Celebrando estos 30 años, van a estar en Guadalajara en el C4 Concert House. ¿Cuáles son las expectativas que tienen para este concierto?

JMA: Mira, he aprendido a lo largo de estos 30 años a nunca hacerme expectativas de lo que puede pasar en un concierto, porque siempre es un poco impredecible. En nuestro caso, siempre tratamos de hacer algo diferente, así que no hay tanto una expectativa, pero lo que sí hay son ganas de ir a tocar allá y, sobre todo, de celebrar. Este es un concierto que hemos diseñado con la intención de celebrar con el público. Pienso que el hecho de que una banda exista por 30 años, haciendo discos y proponiendo cambios, es imposible si no existiera este público del que estamos hablando. Es una invitación, quiero que estén ahí porque la celebración también les pertenece.

MV: Hay mucha gente que los ha empezado a escuchar hace poco y que quizás nunca los ha visto en vivo. ¿Qué les dirías para invitarlos a experimentar la música de La Barranca en el escenario?

JMA: Fíjate que eso se da todavía. Mucha gente nos escucha desde hace poco o mucho tiempo y nunca nos ha visto en vivo. Yo lo que diría es que La Barranca es mejor en vivo que en el estudio, o quizás no debería decirlo así, pero siento que La Barranca tiene la posibilidad de sonar de una manera diferente en el escenario, de cómo suena en los discos. La experiencia de acercarse a la música de La Barranca se complementa, se completa, de hecho, con la experiencia en vivo.

MV: Y mirando hacia el futuro, ¿hay algún sueño o dirección musical que les gustaría explorar?

JMA: Idealmente, nos gustaría seguir moviéndonos, encontrando cosas. Pero normalmente eso no sucede de manera tan planeada en La Barranca. Rara es la vez que nos hemos sentado y dicho “vamos a hacer un disco que se vaya para este lado”. Normalmente, eso lo encontramos al empezar a hacer las canciones. Son ellas las que nos dicen para dónde se puede ir la banda. Entonces, más bien, ojalá podamos seguir haciendo canciones y que ellas nos señalen posibilidades diferentes.

MV: Excelente. Pues muchísimas gracias, José Manuel, por este espacio para Resonante Radio, y esperamos vernos ahí el 18 de octubre en el C4 Concert House.

JMA: Claro que sí. Pues hola, soy José Manuel Aguilera. Los invito a todos ustedes, audiencia de Resonante Radio, a que nos acompañen a celebrar 30 años de actividad musical ininterrumpida de La Barranca en Guadalajara, en el nuevo C4 Concert House. Vamos a estar ahí el 18 de octubre en un concierto celebratorio muy especial, tocando en su totalidad “El Fuego de la Noche”, que es nuestro disco debut.

Después de escuchar a José Manuel Aguilera, queda claro que la longevidad de La Barranca se debe a la honestidad de su música y a la lealtad de un público que valora su búsqueda constante. El concierto del 18 de octubre en el C4 Concert House es una parada obligatoria en su gira “XXX años”, un momento para honrar el legado y presenciar el rock de una banda que aún deja que la música sea su única guía hacia el futuro.

El pasado viernes 3 de Octubre de 2025, el Auditorio Telmex se llenó hasta el último rincón para recibir a una de las bandas más icónicas y queridas del rock mexicano: Caifanes. Con más de tres décadas de trayectoria, el grupo comandado por Saúl Hernández, Sabo Romo, Alfonso André y Diego Herrera ofreció un concierto que fue mucho más que un repaso de éxitos: fue un ritual colectivo de memoria, identidad y emoción.

Desde los primeros minutos, el ambiente se sentía eléctrico. Un público diverso —jóvenes que crecieron escuchando sus canciones y otros que las descubrieron gracias a sus padres— aguardaba con ansias el momento en que las luces se apagaran. A las 9:10 de la noche, los primeros acordes de “Antes de que nos olviden” hicieron vibrar el recinto. La voz inconfundible de Saúl Hernández retumbó con fuerza y calidez, marcando el inicio de una velada inolvidable.

A lo largo de más de dos horas, Caifanes recorrió su vasto repertorio, entregando clásicos que forman parte del ADN del rock en español. Sonaron temas como “Mátenme porque me muero”, “Los dioses ocultos”, “La célula que explota”, “Viento” y “Afuera”, cada uno recibido con euforia y coreado a una sola voz. Entre canción y canción, Saúl agradeció al público tapatío por su entrega y por mantener viva la llama de la banda: “Cada vez que venimos a Guadalajara, sentimos que el corazón se nos multiplica”, expresó ante una ovación que pareció no tener fin.

El escenario, sobrio pero elegante, acompañó con una iluminación precisa que enfatizaba cada momento: tonos azules y rojos para las canciones más intensas, dorados y ámbar para las más nostálgicas. La fuerza interpretativa de cada músico fue impecable; Sabo Romo en el bajo y André en la batería mostraron una química que solo el tiempo puede forjar, mientras que los teclados de Diego Herrera aportaban esa textura única que define el sonido de Caifanes.

Uno de los momentos más emotivos llegó con “Ayer me dijo un ave”, cuando miles de voces se unieron en un canto casi espiritual. Fue un instante de conexión profunda, de esos que recuerdan por qué una banda logra trascender generaciones.

El cierre, como era de esperarse, llegó con “No dejes que…”, desatando una celebración total. Gente bailando, brazos en alto y un grito unánime que resumía la noche: “Caifanes por siempre”.

En tiempos en que la nostalgia suele ser un refugio, Caifanes demostró que su vigencia no depende del pasado, sino de la fuerza con la que siguen mirando al presente. Su música, cargada de poesía, misticismo y crítica social, sigue siendo un espejo en el que se reflejan las emociones de varias generaciones.

Guadalajara fue testigo, una vez más, de un concierto que no solo rindió homenaje a la historia del rock nacional, sino que reafirmó el poder de la música para reunir, sanar y trascender.

Fotografías: Irina Jiménez

Desde temprano, las inmediaciones del recinto se llenaron de fanáticos que buscaban la mejor foto, la playera oficial y un buen lugar para no perderse nada. La expectativa era palpable: era una de las últimas fechas de su actual gira, y Guadalajara no decepcionó en demostrar su cariño.

El show comenzó puntual, con un juego de luces que encendió la emoción de los presentes. Los primeros acordes de Los Años Maravillosos desataron una ovación que resonó por todo el teatro. A partir de ese momento, la banda llevó al público por un recorrido que abarcó sus tres álbumes de estudio, alternando entre los himnos que los pusieron en el mapa (TQM, La Magia, Azul) y las canciones más recientes que siguen ampliando su propuesta sonora.

Uno de los momentos más especiales llegó cuando las luces se atenuaron para interpretar Un Plan Espectacular. Fue un instante íntimo, donde las voces del público se unieron para cantar en coro, generando una atmósfera de comunión que contrastó con la energía explosiva de canciones como Químicos o Gracias por Nada.

La producción del concierto fue impecable: un sonido limpio, visuales dinámicos y un diseño de iluminación que acompañó perfectamente cada tema, creando ambientes diferentes para cada emoción. La conexión de la banda con el público fue otro de los puntos fuertes de la noche; entre canciones, agradecieron a la audiencia por el apoyo, compartieron anécdotas de su paso por la ciudad y dejaron claro que Guadalajara es uno de los lugares donde más disfrutan tocar.

Tras un breve encore, cerraron con La Magia, dejando al público con la sensación de haber sido parte de algo especial. Los aplausos y gritos de “¡Otra, otra!” se prolongaron incluso cuando las luces del recinto ya se encendían, prueba de que nadie quería que la noche terminara.

Este concierto reafirmó que Little Jesus no es solo una de las bandas más queridas de la escena indie mexicana, sino un proyecto que sigue creciendo y consolidándose. Su capacidad para conectar con sus fans, ofrecer shows de alta calidad y mantener una propuesta fresca es lo que los ha llevado a convertirse en referentes de su generación.

Si estuviste ahí, seguro sigues reviviendo cada canción. Y si no, mantente atento: cada concierto de Little Jesus es una experiencia que vale la pena vivir en carne propia.

Fotos por: Irina Jiménez

Pasadas las 9 pm con una sala llena de fans y amigos de Meyer, muchos acompañándolo desde sus inicios en Thermo, con una luz tenue y el nombre en la pantalla “José Meyer Ibarra y Los Bravos de Occidente”, así inicio la noche. Cuando José y los Bravos salieron al escenario  con un setlist seleccionado para hacernos disfrutar, llorar y reflexionar, el concierto dio inicio.

Sonaron los primeros acordes de “Corazón”, lo cual fue el inicio de una noche mágica para todos los que estábamos ahí, continuando con “Galaxias” y “Nubes Negras”.

En una pausa, José aprovecho para agradecer a todos los asistentes por estar ahí, por el apoyo durante su trayectoria, y a los músicos que lo acompañaban.

Con unos visuales hermosos en pantalla, inicio con “La Primera Vez Que Vivo”, una canción que nos invita a arriesgar el corazón, y amar, porque no hay acto más revolucionario que el amor.

Uno de los momentos más emotivos llego con las canciones “Ventanas”, “Misterio” y “Caracol”, esta última dedicada a su abuela, quien Meyer comento fue un apoyo durante su vida y carrera.

Si has seguido la carrera de José, sabrás que es alguien activo en cuestiones sociales y políticas, y tiene una canción que lo explica “Amantes y Prófugos”, la cual fue acompañada de mensajes visuales como “Spotify Financia Muerte”, “Spotify Explota Artistas”, “La Vivienda Es Un Derecho, No Una Mercancía”, “Justifican Genocidios Con El Pretexto Del Terrorismo” y “Trump Fascista Colonial”, todos estos entorno a las problemáticas sociales que pasamos en México y el mundo, los gritos de parte del público “Palestina Libre”, no faltaron. Y Meyer tenía claro el mensaje que quería darnos; “Organizarnos es obligatorio, rebelarnos no es opcional. Porque amar es rebeldía, abrazar, reír es rebeldía, y solo la rebeldía nos salvará”. Porque el mundo nos pertenece, pero tenemos que dejar de ser tibios que ven hacia el otro lado en los problemas que nos afectan como sociedad.

La noche concluyó con “Domingos”, “Lo Qué Pesa Esta Ciudad” y “Heridas”, no sin antes José volver a agradecer a sus fans, amigos, familia y los músicos que lo acompañaban por una noche mágica, donde a todos nos llenó el corazón, nos dio esperanza y la necesidad de rebelarnos contra un sistema que nos quiere tener atados en una pantalla.

Jodie, la bajista, nos comentó después del evento que su intención siempre que inician es decirle al público “hey, aquí estamos” y en verdad lo lograron. Por lo general, un telonero es una banda que debes soportar para llegar al plato fuerte de la noche, pero Magic Whatever lograron conectar de una gran manera con el público tapatío con temas como “Prey on Me” o cuando la audiencia coreó al unísono el coro de “Speak of the Devil”. Fue una de esas pocas ocasiones donde el acto telonero se siente demasiado corto.

Pero ahora venía el evento principal… The Haunt. La palabra “haunt” tiene varios significados: puede ser aparecerse como un fantasma o puede significar atormentar u obsesionar. Anastasia, la voz principal de The Haunt, encarna todas las definiciones de la palabra “haunt”. Como una aparición, tomó el escenario vistiendo una bata de noche color rojo escarlata y, junto con la banda que colidera con su hermano Maxamillion, se apoderó del público y del escenario. A través de las letras y la música, se convierte en un espectro que evoca los fantasmas de aquellas relaciones fallidas que tanto te han costado superar, aquellas conductas que todavía te persiguen y toda esa rabia que a veces no puedes controlar.

La puesta en escena de Anastasia y la energía de Max y compañía arrebataron por completo las emociones de todos los presentes, con gestos hipnóticos y un énfasis en la energía y el dolor y la ira que encierran sus letras. Desde Florida llega “The Haunt”, quienes abrieron fuerte la noche con “Bad Omen”, un himno a esa parte oscura y destructiva que todos llevamos dentro. “The Haunt” es una banda que ha evolucionado a lo largo de los años y ha pulido su estilo, llevando su puesta en escena a perfeccionarse y tomando un “mood” mucho más oscuro, pero también mucho más crudo y con el cual puedes identificarte si alguna vez has sentido esas emociones que a veces desearías no experimentar.

Hoy nos entregan su primer disco en forma, “New Addiction”, que toca temas como el abuso (“Claws”), relaciones tóxicas (“Masochistic Lovers”), rompimientos desastrosos (“Dead 2 Me” y “Going Under”), esa relación que sabías que era una pésima idea pero aún así seguiste (“Masochistic Lovers”), celos enfermizos y sentimientos que te deja el sentimiento de desplazamiento (“Worst in Me”) o adicción a una persona, sustancia o simplemente al conflicto  (“New Addiction”). Con esta canción cerraron la noche y se despidieron

Max y Anastasia  estuvieron al final y se tomaron el tiempo con cada uno de los presentes firmando autógrafos y tomandose fotos con los presentes 

Sin duda The Haunt en vivo son más que música en vivo, son Terapia y catarsis para el dolor emocional.

Redacción por: David Robles

Fotografía: Marylu Vasallo